田卫&汤南南对话 “遗忘与追寻”
汤南南与田卫，具有迥然不同风格的两位艺术家，皆受邀参与此次以水为论述轴线的展览——《水•时间寓所》；其作品除了皆富有诗意的想像之外，也从不同的角度切入我们所面对的难题：当下。
田卫那看似正面积极的曙光画面，因为伴随著许多机会因子，而隐藏了许多对存在之现实的探索，传递有超脱、转瞬与顿悟等禅趣。换言之，他画的是一种永不重复的（但不曾停下的）过程；与其说他的水墨是借由皴擦不断地积累墨晕，不如说他总是在挖掘什么——追寻著什么？或许是追寻那内心深处不愿意遗忘的事物？
反观汤南南，那层层迭加的海浪，黑暗地令人喘不过气，浪与浪的碰撞也是沉闷的，似乎在掩盖著什么。厚重且连绵不绝的黑色海浪，并不意图冲破彼此，而是纷纷接踵地包覆起观者，阻绝了对当下的感知。当下，是生命的扭结点，对现时失去掌握意味著过去的失落；海，阻绝了故事。忘了故事，也就忘了乡愁。
反观汤南南，那层层迭加的海浪，黑暗地令人喘不过气，浪与浪的碰撞也是沉闷的，似乎在掩盖著什么。厚重且连绵不绝的黑色海浪，并不意图冲破彼此，而是纷纷接踵地包覆起观者，阻绝了对当下的感知。当下，是生命的扭结点，对现时失去掌握意味著过去的失落；海，阻绝了故事。忘了故事，也就忘了乡愁。
样当代开馆展很荣幸邀请到两位重量级大师，从“水-时间”的角度来谈自身作品与记忆之间的关系，也谈谈从水墨创作（水墨亦是汤南南主要的创作媒介之一）的经验与手法中对于时间的体悟。
关于各自作品的介绍与层次的展现
汤南南：
摄影、录像、装置、动画等不同的艺术形式在作品创作中都存有价值。特别是录像在我的艺术创作中影响非常大，很受启发。我的录像作品都有一个声音背景，且所有的作品都围绕一个主题：大海和水。它只是一个视觉的介质，真正的寓意是时间与生死。
田卫：
很多人觉得我们艺术家在画画的时候，都在很深刻地思考。其实，我画画正好相反。我画画是脑子完全放空，我只是在机械地重复一个劳动，有点静坐的状态，什么都不想。我曾经拜了一个活佛当老师，被布置了很多作业——念咒。我记得当时有一个咒是要求我们三个月内念完十万遍。但是那个咒很长，念不完。后来，我想了个方法——边画画边念咒，因为我画画的时候很安静。突然有一天，我发现脑子里都空了，只剩咒的声音在回荡，之后莫名其妙地就画出这个作品系列。别人都问我，我画了多少遍了。我说不清楚（估计上百遍吧）。每次画完后加色，加色后不满意，又加色。我不是修行，而是儒教行为，强调去宗教化。佛教道教在修炼的过程中，有很多共法。早期比如你安静下来，思虑就会很稳定，包括瑜伽等等。他就是想让这个人回归内心世界。修行到比较高的阶段，就有产生一定的差别。我用这种方法画画后，觉得很快乐。当遇到一些不开心的事，我画画只要超过十分钟，我的心变得很安静。
关于时间与创作的联结关系
汤南南：
我从来不看哲学书，因为看不透。有两个东西不敢去碰：佛教、小朋友。做为一个人的个体，我比较关注的的是生死问题，接住我的想法和思考去判断。。一个年轻人在30岁以前， 太相信宗教的话，会很容易迷失自己。我的创作是从乡愁开始，知道自己从哪里来，才明白自己该往哪里去，未来自己该做什么。但我并不是一个可以知道很多东西的人，也不是很有智慧的人，所以我的创作不是事先想好的，而是有一个作品延伸到另外一个作品，是一个递进的生产过程。我的智力的有限，但我愿意去勤于动手的。作为一个手艺人，就是让手经常去动，有目的性地了解和解决很多问题。现在我的工作状态非常好。艺术是帮助我塑造自己的一个手段。
田卫：
我和汤南南老师可能相反，我 从初中开始就看书，了解很多故事。我们生活在当今世界，时间不属于我们。比如说在一个公司上班或事事业单位劳动，有很多工作，下班后这个时间也不属于我们，有很多的义务，教孩子写作业做功课。这些社会的潜规则，循序渐进，很不自由。所以我创作一个作品的时间非常少。但只有在画画的时候，我感觉自己的时间才是自由的，一个小时的创作便能有一个小时的自由。作者需要非常多的时间去累积，所以如果我要用两个月的时间去创作一个作品，那么这两个月的情绪就会堆积在这张纸上，也就阐释了我的真实自由状态。
探讨“水=时间”的脉络关系
汤南南：
在40岁以后，我才决定以水为题材进行创作。以前在厦门生活30年，也从没这样想过。就像”只缘身在此山中“的寓意，我从09年开始做了一个沙滩的作品，才意识到也许大海就是我这次的主题。在太平洋上，我决定开始创作这个主题，于是就着手搜索这个感觉。在古今中外的历史上，大海的主题有很多表现作品。但这么大的题材，在中国乃至整个世界史上没有很多很生动的表达。所以，当我找到这个题材的时候，内心十分激动。作为一个艺术家，能够在这一的时代深入这个题材，对于我来说是一种信念，也是一种责任。由于自己的思维有限，因此在做”水“的作品时，并不是单纯地去画水。有记者问我，在这么庞大的以”水“为题材的艺术家背景下，为什么自己还要选择画大海。于是我就反问他，是否见过因画海而内心如此激动的艺术家。欧洲有很多航海主题的绘画，本质都是工产阶级特定的装饰物。他们都是画海景，而不是在画海。我在表达海的时候，一开始就很复杂，后面就变成了山，即“铸浪为山”。在这几年的创作中，海变就成了气体、云。在中国，水不只是一种装饰，而是无形的，不停地在改变、在生长。我在画画的时候，心情很愉快。因为在画画的时候，无论怎么画，都是对的，不像画人，要在乎是否画得十分相象。2016年，我在安溪的一个山涧上，拍了一个录像作品。两个星期的时间里，我在蓝色的水里过了一个夏天，所以就在作品中做成了蓝色的水，清澈透明，铸浪为山由此就有了更深刻的意义。
田卫：
我画画有一个时间段，一直在想怎么让自己把从初中开始额多年系统训练跳过不顾，把过去的自己扔掉，变成一个新的自己。以前的知识、技术等给我造成有很多包袱，越想放下越放不下。我曾想到，是否能够让自己不去画画，而是让手里的材料自己去画画。这时候就想到了“水”。这和汤南南老师说的一样，水无常形。在画画的时候，我让水自己去流动。一段时间后，我发现画面上出现一条无法言说的线条。这是个很有意思的事情。从2009年开始，我就想让这些水更上档次，于是需要解决一些实际的问题，比如宣纸的挑选等。我从没想到应该怎么去画，而是在不同的时间缓缓递进，让水自己流淌在画作上。水的创作，比我以前想到自己要去画什么，来得更真实。也许很多人到了七老八十自的时候，也不会有这种感觉。我特别感谢“水”的这种非常温柔、韧性的性格，成就了我的这个作品。
理解作品中的“白线”：有一些真实的东西被掩藏在身后。作品在制作的过程当中，曾遇到很多飞尘的东西落下来，最后呈现的是一张白纸。我们并不知道由于时间、温度、风雨等，这张纸会留下很多路过的东西。我们就需要有大量的水去冲这些东西。所以大家看到的白线不是我罗出来的，而是水冲出来的。冲到七十次以上，所有的杂质根根据我泼水的状态，都会被冲到纸的中间，这条线粗细、宣纸情况都与之没有关系。这都是水和纸在发生的非常有趣的相遇。
关于对方作品的理解
汤南南：
田卫老师说创作一个作品的时间，自己是深有同感的。我每年都会有大量的时间在画画，这是一个很好的一种沉默状态。在纸上动的时候，也是一个思考的时间，人就不会那么着急。艺术不会被遗忘。人是一种自我整理、自我消化甚至自我治愈的个体。这样在外面做的摄影、装置等才会是清晰的。我们创作方式其实很像，但从最后画面上看起来，田卫老师的作品很严谨很克制，而我后期的作品表现出的用水泼出来的水流感比较明显。
我想知道，水不受节制，为什么田卫老师的作品泼出来是这个样子的？
我想知道，水不受节制，为什么田卫老师的作品泼出来是这个样子的？
田卫：
汤南南老师闭关十年，对于作水的理解有自己督导的理解。我很欣赏汤老师的这个作品，对于我来说有很大的启发意义。学习传统国画的时候，我想自己要有一些技术。齐白石画的虾很潇洒，这叫功夫。他不像武学秘籍，一学就会，而是经年做出来的。所以我在创作中，觉得自己有缺点，但予以保留。一遍一遍需要解决的技术问题太多了。中国传统国画是以线画出来的。而我不去用笔，而是用水去画，最后呈现出水的痕迹。朱砂画在中国是最有神性的，它怎么和水结合，浓度相宜又有水性，再不会像堆积起来的油画，这个创作至少要下十年以上的功夫。我的所有技法的生成，其实都是去形象化出来的。
我感觉汤南南老师的作品十分有顿感，但见面之后却觉得非常儒雅。想问汤南南老师，内心的强大是来自于哪里？
汤南南：
好的艺术家可能都有一种气息，就像好吃的菜，有时候表象看不出来。我感觉自己的作品很有一种气场。我觉得中国艺术最好的状态是今后的二十年或三十年（没有战争）。所以，最好的艺术家应该是90后，其父母辈都是60后。他们忍受了很多东西，而90后的心态是非常健康的。在国外的时候，有人觉得我单身，无牵挂，很自由。所以，他建议我不要固守在一个地方，要往外走。所以我感觉好像没有什么东西可以挡住我的创作。我不去委曲求全，但是我要求自己去得到。我认为面对生活上的每一个事情时，都觉是属于自己的时候，就会健康。在这样的状态下，我才有了自己的创作。
